Kith honore le Mois de l'histoire des Noirs

À l'occasion du Mois de l'histoire des Noirs 2023, nous poursuivons notre série d'artistes avec trois artistes noirs qui utilisent la peinture comme médium. Il s'agit de Madjeen Isaac, originaire de Brooklyn (New York), et de Samuel Olayombo et Foster Sakyiamah, de la résidence Noldor au Ghana (Afrique de l'Ouest). C'est la première fois que la marque met en avant des artistes internationaux.

Ces artistes ont été sélectionnés ensemble par le directeur principal des projets spéciaux de Kith, Marlon Beck II, ainsi que par le PDG et directeur créatif, Ronnie Fieg.

En collaboration avec les artistes, nous avons créé une collection capsule présentant leurs œuvres imprimées sur une gamme de t-shirts et de pulls ras du cou. Cette collection remplacera notre Monday Program™ et sortira le mardi 1er février. Chaque artiste recevra 50 % des recettes de ses créations et verra ses œuvres exposées dans une galerie spéciale installée dans notre flagship Kith de SoHo, en marge du lancement du 1er février. Cette galerie sera également présentée dans notre flagship Kith de Paris plus tard ce mois-ci.

Avant la sortie, Madjeen Isaac, Samuel Olayombo et Foster Sakyiamah ont échangé avec Marlon Beck II pour partager leur point de vue et leur parcours, tout en évoquant l'importance de la responsabilité en tant que créateur noir. Découvrez l'intégralité de la conversation ci-dessous.

Marlon Beck II : C'est un plaisir de travailler avec vous dans le cadre de notre troisième série créative annuelle du Mois de l'histoire des Noirs. Parlez-moi un peu de vous.

Madjeen Isaac : Merci de m'avoir invitée à travailler et à discuter avec vous. Je suis une artiste, née et élevée à Flatbush, Brooklyn. J'aime créer à partir de mon imagination, représenter mon quartier et mes proches. Je suis simplement heureuse d'être ici.

Samuel Olayombo : Je suis un artiste nigérian. J'ai étudié les beaux-arts et les arts appliqués à l'Université du Bénin, au Nigéria. Passionné de texture, je travaille à l'huile, à l'acrylique, au fusain et au pastel pour créer des toiles grand format, vibrantes et spectaculaires, représentant des portraits majoritairement masculins, non normatifs en matière de genre.

Foster Sakyiamah : Mon parcours artistique a commencé dès mon enfance. Mon père, artisan, soudeur et peintre, dessinait sans cesse. J'ai beaucoup appris de lui à cet égard. Je me suis ensuite inscrit au Ghanatta College Of Art & Design, où j'ai découvert des peintres modernistes ghanéens comme Ablade Glover et où j'ai eu des pairs comme Emmanuel Taku à l'époque. Plus tard, j'ai ouvert un kiosque dans un quartier d'Accra, baptisé Sakyiamah Art, vendant des œuvres d'art dans la rue pendant 11 ans. À cette époque, je n'étais pas marié, mais ma femme était ma muse et posait parfois pour moi. En août 2021, j'ai rencontré Joseph Awuah-Darko pour la première fois lors d'une visite d'atelier qu'il a effectuée pour le comité de sélection de la résidence d'artistes Noldor. À partir de ce moment, ma carrière a décollé comme une flèche : j'ai obtenu une résidence à la résidence d'artistes Noldor.

MB : Madjeen, étant haïtiano-américaine de première génération dans votre famille, nombre de vos œuvres sont liées à votre éducation à New York. Lors de nos premiers échanges à votre atelier, vous avez mentionné que vos œuvres s'inspiraient de souvenirs familiaux et des cultures qui vous ont entouré et qui ont contribué à façonner votre personnalité. Comment cela influence-t-il votre démarche ?

MI : J'ai commencé à développer mon travail après un voyage en Haïti avec ma famille durant l'été 2017. J'ai souvent voyagé en Haïti durant mon enfance, mais cet été-là, j'étais beaucoup plus âgé et j'observais vraiment le paysage. J'ai été surpris de constater à quel point Port-au-Prince, en Haïti, ressemblait à Flatbush, à Brooklyn. La ville regorgeait de commerçants et de banlieusards, et son agitation était une expérience fascinante et pourtant familière. Cela m'a fait penser aux immigrants caribéens de Brooklyn qui ont développé des communautés et des entreprises familiales telles que des marchés, des restaurants, des boulangeries et des services publics.
les transports et les églises pour se sentir installé et établi dans ce qui est maintenant ma maison.

La plupart de mes peintures font référence à ma communauté et à mes proches qui vivent et s'impliquent dans mes environnements réinventés. Je m'inspire d'éléments de Brooklyn, d'Haïti et de paysages fictifs pour rendre hommage à notre façon d'occuper l'espace et au melting-pot de
J'ai toujours été exposé aux cultures des Caraïbes tout au long de mon éducation.

Enfant, l'une de mes activités préférées était de feuilleter la boîte à photos de mes parents. Il y avait des photos de mes parents en Haïti, de leur premier séjour aux États-Unis, de mes frères et sœurs et moi, de célébrations et de moments spontanés avec des photos prolongées.
Ma famille dans les années 90 et 2000. Outre l'excitation de parcourir des centaines de photos et l'odeur des vieux films, j'aimais beaucoup ressentir la nostalgie et voir le monde à travers leurs yeux. Mes parents étaient des photographes discrets.
tout en naviguant dans un nouveau monde.

Lors de mon voyage en Haïti en 2017, j'ai pris de nombreuses photos dont je me suis toujours inspiré. Aujourd'hui, je photographie mon quartier et mes trajets quotidiens. J'aime immortaliser les vestiges de l'architecture d'avant-guerre, les passants, le quartier.
Couchers de soleil et verdure. Pendant la pandémie, j'ai acheté un appareil photo argentique que j'emportais avec moi lors des campings annuels de ma famille et des sorties entre amis.

Que je peigne ou que je prenne des photos, j'ai l'impression de constituer une archive visuelle que les générations futures pourront consulter.

MB : Samuel, ayant grandi avec cinq sœurs, vous avez récemment mentionné comment votre travail est axé sur la
Culture et conceptions de la sexualité, des rôles de genre et de l'égalité des sexes. Comment votre éducation a-t-elle influencé votre travail ?

SO : De par mon éducation, j'utilise des couleurs « féminines » traditionnelles comme le rose et le rose pastel pour représenter des sujets masculins apparemment « brutaux », car j'ai été témoin de nombreuses « injustices » en grandissant. Je crois que nous sommes tous égaux, quel que soit notre genre.

MB : Foster, ayant grandi au Ghana, vous êtes récemment devenu un artiste émergent grâce à la résidence Noldor. Comment cela a-t-il enrichi votre travail et votre vision de l’art ?

FS : Mon parcours chez Noldor m'a vraiment permis de réfléchir à ma pratique dans un contexte mondial.
contexte. Peu après le début de mon mandat, j'ai eu un certain nombre d'expositions individuelles et collectives majeures
Avec de grandes institutions et galeries à New York, Londres, Madrid, Hong Kong, et même exposé au Musée national d'art de Lituanie, je suis toujours étonné de voir à quel point ma vie a changé ; c'est vraiment extraordinaire.

MB : Lorsque j’ai découvert votre travail, j’ai été frappé par la vivacité des couleurs et les motifs courbes. Qu’est-ce qui vous a poussé à mettre en valeur ces caractéristiques dans vos pratiques ?

FS : Nombre de mes peintures monochromes évocatrices représentent des femmes ornées de gants à motifs de dentelle, de foulards discrets, de lunettes de soleil et de chapeaux. Tous ces accessoires reflètent ma célébration de la femme et symbolisent le loisir et le plaisir dans cet univers que j'ai créé pour le sujet que je représente. Je puise également une inspiration inépuisable chez les femmes de ma vie, notamment ma mère, couturière et cheffe d'une famille matrilinéaire, tout en confectionnant et en s'occupant de clients importants. Mon utilisation de la palette de bleus cobalt, de verts verdoyants et de magentas vifs découle de références à GTP, la première marque textile indigène du Ghana, lancée en 1966 par le Dr Kwame Nkrumah. Mon obsession croissante pour le textile est à l'origine de la vague concentrique de motifs omniprésents dans ma pratique, enrichie de sens et de profondeur par la couleur. J'apprécie ma capacité à transposer toutes ces pièces familières et portables dans mon travail, d'une manière qui reste toujours très proche.

MB : Quelles techniques/thèmes sont les plus répandus dans votre travail et comment ont-ils joué un rôle majeur depuis que vous avez commencé à créer ?

MI : Je suis constamment influencé par la photographie et la narration. J'aime aussi utiliser le collage comme technique pour réaliser mes peintures.

Mes centres d'intérêt ont progressivement évolué depuis mes débuts créatifs. Je réfléchis à la gestion des terres et au lien qu'entretiennent les populations noires et caribéennes avec elles. Qu'il s'agisse de pratiquer l'agriculture, d'entretenir nos petits espaces ou d'avoir l'autonomie nécessaire pour développer des communautés et des espaces sûrs, je suis actuellement inspiré par les jardins communautaires, les fermes, les parcs publics, les marchés, les terrains de sport extérieurs, les champs et les églises… Des espaces qui redonnent vie au corps et à l'esprit.

SO : La culture de la cicatrisation que je donne vie à chaque œuvre est l'utilisation du couteau à palette. C'est la technique la plus répandue dans mon travail et elle m'a aidé à développer mon propre langage visuel en tant qu'artiste.

FS : D'aussi loin que je me souvienne, j'ai toujours travaillé avec la peinture acrylique comme médium de prédilection. Plusieurs raisons expliquent cela, notamment mon parcours universitaire et la confiance que j'ai acquise avec ce médium lors de mes études au Ghanatta College of Art & Design. La viscosité et la nature de l'acrylique permettent la superposition rigoureuse de mes œuvres et me permettent de mieux contrôler le résultat final, en termes de détails et de précision. J'apprécie cela.
approcher le plus.

MB : Quel message souhaitez-vous que les spectateurs de votre travail retiennent de votre œuvre ?

MI : J’aime que les spectateurs repartent souvent avec quelque chose qui leur est propre. Parfois, cela leur rappelle leur foyer, leur jeunesse, ou les incite à réfléchir à l’avenir de leur quartier. En réfléchissant, j’aime redéfinir, décortiquer et questionner ce que je voudrais que mon espace de sécurité ressemble au-delà des contraintes de la réalité.

SO : Je veux que les téléspectateurs s’habituent non seulement à voir des couleurs « féminines » douces chez les hommes noirs, mais qu’ils comprennent également que derrière la « dureté » de chaque homme noir se cache un côté gentil et doux.

FS : Les thèmes centraux de mes œuvres sont l'autonomisation, la féminité, l'opulence afropolitaine et la joie noire, qui sont profondément ancrés dans ma pratique. Je cherche à célébrer une vision élevée et renouvelée de ce que signifie être africain à l'ère de la mondialisation. Je décris cela comme une « objectification valorisante » et je suis convaincue que c'est ce que le spectateur perçoit en découvrant mon travail.

MB : Ce fut un réel plaisir de collaborer avec vous sur ce projet, car il s'agit d'une initiative visant à offrir notre plateforme à d'autres, mais surtout à montrer l'importance de la représentation. Que signifie pour vous être un artiste noir dans ce milieu ? Avez-vous rencontré des difficultés ?

MI : Pour moi, être un artiste noir dans le monde de l’art, c’est avoir une abondance d’idées à explorer et d’histoires à partager. Être un artiste noir dans le monde de l’art, c’est aussi privilégier la communauté, la santé, dire non à ce qui ne me semble pas cohérent, vivre l’instant présent et se reposer entre deux élans créatifs, car c’est véritablement ce qui nourrit mon travail.

Parmi les défis qui existent dans le monde artistique, on trouve la pression de devoir « suivre le rythme » et de développer son travail à un rythme soutenu. Ce n'est ni sain ni viable à long terme. Le monde pourrait et devrait attendre, surtout s'il vous soutient.

SO : En tant qu’artiste noir, j’estime devoir au reste du monde de corriger la représentation erronée des hommes noirs au fil des ans. Le seul défi que j’ai rencontré jusqu’à présent est le besoin constant d’expliquer que les hommes noirs ne sont pas aussi « bruts » qu’ils en ont l’air.

FS : Être un artiste noir dans cet espace est essentiellement un outil utile pour moi car cela me fournit le bon contexte pour mon
L'art. Je l'ai vécu et expérimenté, et je considère que c'est un élément essentiel qui alimente mon processus créatif. En ce qui concerne les défis, être artiste au Ghana, où les structures sont déficientes et le soutien institutionnel et gouvernemental quasi inexistant, reste un obstacle. Les institutions comme Noldor ne peuvent pas tout faire, mais nous espérons qu'un jour viendra où l'art contemporain bénéficiera d'un soutien local aussi important qu'international.

MB : Enfin, que signifie pour vous faire partie du moment présent ?

MI : Participer à ce moment offre davantage d’opportunités aux gens comme moi. La représentation brise les barrières et élargit le champ des possibles. J’ai toujours voulu être artiste, même si cela n’a pas toujours de sens pour mon entourage. Je suis heureuse d’avoir toujours choisi moi-même et de rester cohérente dans ce qui me procure de la joie.

SO : Je suis reconnaissant de faire partie du moment car cela me donne la plate-forme pour partager ma pratique avec les autres.

FS : Je suis honoré que mon travail joue un rôle aussi essentiel dans le cadre du Mois de l'histoire des Noirs de cette année, un mois consacré à la reconnaissance du parcours et des luttes des Noirs, mais surtout de leur excellence. C'est un concept que mon travail cherche à mettre en lumière, et j'en suis aussi fier que reconnaissant.